Panoramas : Paysages d’Amérique du Nord dans l’art – Visites virtuelles et exposition multimédia

Le paysage uni à la figure féminine parcourt les chemins de l’histoire de l’art mexicain depuis l’époque précolombienne lorsque la fertilité recoupait différents plans symboliques liés à la terre et à la mère. S’éloignant des thématiques usuelles de l’école nationale des beaux-arts, Felipe Gutiérrez présenta en 1891 un nu couché non idéalisé sur fond de haut plateau. La femme nue condense l’archétype de la figure maternelle, évoquant la déesse de la fertilité. Le tableau a sans doute été peint antérieurement mais n’a pas été montré publiquement. L’œuvre a été exposée exclusivement dans le cabinet des peintures de nus de l’école. Les artistes de l’école de beaux-arts n’avaient suivi des cours de nus avec modèles féminins qu’à partir de 1865.

Dans le cycle mural de la chapelle de Chapingo, Diego Rivera revient à la figure féminine comme symbole de la fertilité de la nature, où le corps de la femme et le paysage se fondent l’un dans l’autre. La rencontre de Tina Modotti comme modèle de la mère nourrice et comme photographe débouche, à travers cette photographie, non pas sur l’image mais sur sa transformation en symbole.

La représentation de la figure féminine comme terre nourrière et mère s’explique par les différentes séquences de vie de Frida Kahlo et sa maternité toujours interrompue. Ma nourrice et moi évoque les aspects autochtones qui la nourrissent et les pertes qui l’accablent. Frida, vêtue comme une petite fille à la manière des ex-voto du XIX^e siècle qu’elle collectionnait, est alimentée par la nature même, représentée par cette grande figure maternelle qui surgit de l’Antiquité. Le tableau a été exposé lors de la première exposition de Frida, à la galerie Julian Levy de New York, où le surréaliste André Breton la qualifie de ruban autour d’une bombe.

Une des œuvres présentées à l’Exposition internationale du surréalisme, organisée à Mexico par Breton à la Galería de Arte Mexicano en 1940, était Le rêve de la Malinche (1939), exécutée par Antonio Ruiz, alias Corcito. Ruiz, enfermé dans son atelier dans la partie supérieure de sa maison, se consacrait à peindre de minutieuses scènes qu’un certain public qualifierait de peinture de genre. La Malinche n’est pas encore le personnage coupable ou revendiqué par les historiens. C’est une femme qui dort paisiblement, comme cette autre présence féminine, l’Iztaccíhuatl. Et sur les plis de son drap, le paysage mexicain se déroule.

Pendant les années cinquante l’œuvre de Tamayo ses racines culturelles avec un énergie diffiérente : son art puisait dans son patrimoine, mais sans mise en contexte politique. Dans le tableau Les musiciens endormis, il exagère certaines parties de la structure organique du corps pour arriver à un plus grand impact émotionnel. Les lignes de direction visuelle font que l’espace vibre et que se renforce l’intégrité de la composition où le pouvoir symbolique va se consolidant. La palette de Tamayo, limitée dans ce cas-ci aux tons de bleu, obéit à la maxime de l’artiste voulant que plus les couleurs sont limitées, plus grande est la possibilité de risque.

L’acte de génération de vie est doublement signifié par cette installation de Yolanda Paulsen, à la fois parce qu’elle représente une femme enceinte moulée en pisé et parce que le support de terre sur lequel elle se repose reverdit. La figure semble émerger du paysage changeant puisque les conditions climatiques changeantes font que de petites plantes poussent sur le support. L’œuvre a été présentée en 1995 dans le cadre d’un projet Surgiendo [Surgissant] où la maternité est reprise depuis l’intérieur comme un processus vital en harmonie avec la terre-nourrice et mère.