CNA- Les compositeurs canadiens de musique orchestrale: les structures musicales

Pour cette écoute dirigée, vous aurez besoin de :
Copie des étapes ci-dessous
Support graphique : Alto
Support audio : Le son de l’alto
Support textuel : À propos du concerto
Support audio : Extrait de la Ballade pour alto et cordes de Godfrey Ridout

I. Discussion
• Posez la question : L’alto n’est pas souvent utilisé comme instrument solo. Pour quelle raison selon vous ?
• Montrez le support image de l’alto et faites jouer le support audio exposant le son de l’alto.
• Discussion : Décrivez le son de l’alto. Ce son est-il brillant ou sourd? Est-ce un son haut ou bas?
• Posez la question : En quoi est-ce un son particulier? (un son riche, mais sans prétention)
• Lisez à voix haute le texte intitulé À propos du concerto qui décrit ce qu’est la forme du concerto.
• Posez la question : À quoi pourrait ressembler l’accompagnement de l’alto? Quel son selon vous pourrait convenir à un dialogue entre un groupe d’instruments à cordes et un solo d’alto?

II. Écoute
• Écoutez le support audio, soit l’extrait de la Ballade pour alto et cordes de Godfrey Ridout.
• Posez la question : Est-ce le son auquel vous vous attendiez d’un solo d’alto? Est-ce le son auquel vous vous attendiez de l’accompagnement des cordes?
• Échangez avec les élèves :
Cet extrait commence par un solo d’alto, auquel répond un court passage orchestral. Le dialogue entre le soliste et les cordes se poursuit.
• Posez la question : Quel genre de dialogue entendez-vous entre l’alto et l’orchestre?
• Écoutez à 1 min. Que pourraient exprimer les cordes au registre le plus bas? Semblent-elles d’accord ou non avec l’alto?

Littéralement, le mot concerto signifie « de concert avec un autre », ou « converser avec un autre ». À certains moments, l’un des protagonistes ou un groupe de protagonistes peut jouer un rôle prédominant.

Avant 1600 en Europe, il était peu fréquent de voir plus de dix instruments jouer en même temps dans une même représentation. Avec le développement de représentations théâtrales de plus en plus élaborées, une rivalité se développa entre les riches mécènes, chacun voulant avoir plus de chanteurs et de musiciens que ses rivaux, et des décors plus élaborés, ce qui donna naissance à l’opéra.

Peu à peu, des groupes d’instruments plus importants se sont constitués, soit le groupe des cordes (les cordophones), le groupe des vents (les aérophones) et les percussions (les membranophones et les idiophones) et, en plus d’écrire pour chaque groupe des interludes et des introductions utilisés dans les opéras, les compositeurs ont commencé à composer des œuvres spécifiquement pour chaque groupe d’instruments.

Cette nouvelle tendance fut particulièrement encouragée dans les grandes églises de Bologne, en Italie, dont les formations musicales comptaient un plus grand nombre d’instrumentistes. L’une des structures musicales qui en émergèrent fut le concerto grosso. Dans cette structure musicale, un grand groupe d’instrumentistes dialogue avec un groupe concertant plus petit formé de trois à cinq musiciens.

Une autre forme de musique concertante s’est développée vers 1700. Dans cette forme, appelée concerto solo, un soliste dialogue avec le reste du groupe. À cette époque, l’instrument solo le plus courant était le violon, mais rapidement, les compositeurs ont créé des concertos pour flûte, hautbois, trompette, violoncelle, basson clavecin, orgue, etc.

Tout comme la suite, le concerto est formé de mouvements dont le tempo et la métrique varient, mais qui sont généralement unis par une même tonique. Vers 1700, la succession des tempos des mouvements était généralement rapide, lent, rapide. Les mouvements rapides de début et de fin pouvaient, par exemple, être dans une même tonalité de do et le mouvement lent du milieu dans la tonalité mineure correspondante ou dans une tonalité proche.